普遍以來，美的事物一再被人們欣賞，然後再以各種的方式再表現。直到十九世紀印象派繪畫引發一連串的視覺革命，重新定義對「美」的追求，而讓唯美已經不再是「美」。

觀察台灣攝影的風潮，從50年代至今亦無法挣脫出唯美至上的框架。潟湖晨景、颱風前的夕陽、和平島的豆腐石、美貌的女孩…，一再的被相機感光。長期的比對下，潟湖仍是潟湖，豆腐石仍是規律的躺在岩岸，女孩的笑容依然燦爛。相似的照片一再的重複出現，這些賞心悅目的照片之間，是否還可以存在不同的思考與價值？

可惜的是我們並無法從這些影像分辨出攝影者之間的差異，也代表這些作品中攝影者對於影像的參與是微乎其微的，甚至只是按下快門的動作而已；亦即很多的影像僅於 「複製」 然後 「貼上」。再伴隨科技加持，我們可以很容易得到品質優良的影像，誰拍出來的品質都一樣。而按下快門前所需要的瑣碎操作，早已經被電子訊號所簡化，在這眾多自動化的加速下，大大減低了相機操作的手藝性。這讓攝影者的選擇，變成很重要的關鍵。而 這個選擇，也是攝影者賦予思考於影像的要素。

阮義忠於攝影美學七問一書中提到：「攝影科技的進步，使得這項藝術的手藝性越來越降低，精良而廉價的相機使每一個人都可以拍出品質很好的相片。因此攝影家越來越逼向純選擇的路子了。他選擇題材，選擇時間、機會、選擇構圖，事後從一捲大同小異的樣片中選擇出來。」

伴隨科技進步而簡化攝影的煩瑣步驟，未必是件壞事 – 拍攝者其實更能專注於影像創作與內容。不過絕大部分的攝影者還是不加思索的按下快門，科技的便利默默的阻擾攝影者於每張影像的參予，更提高照片彼此間的相似度，讓一切更趨近於「複製」。這複製中缺少了思考，就會減低影像的獨特性並抹去存在價值。友人曾說：他無法分辨，隔壁老李每天至海邊守候大景所拍出的照片；還是等待的當下，老李身旁戲鬧孫子無意間觸動快門，所拍下的畫面。如此，在荷花、美女、大景、民俗這些不變的題材外，是否還可以存在「非複製」的照片？

我想，學習的過程會模仿前人的作品是必經的腳步，但除了複製之外，還是得嘗試加入自己的想法於影像。就如Bresson所言：「為了賦予影像意義，每個攝影者必須感覺得到自己有涉入觀景窗中框取的事物。」而該怎麼讓攝影者涉入觀景窗中取景的事物，是我一值再思考的事情，這也是我要讓作品裡必須具有的要素之一。

記得在很早之前，朋友阿咪曾經問我：如果你身在雪梨港，你會怎麼去呈現這個地標 – 雪梨歌劇院 (Sydney Opera House)？那時我腦子裡所浮現出來的影像，就如同明信片或月曆中常見的美麗風景圖所呈現的歌劇院。隨後他丟一張Trent Parke的照片給我看。頓時，我毫無防備的被那影像鎮住了！就從那時刻讓我開始思考影像的價值，也要求自己於每一張影像中，必須存在攝影者的「涉入」。

最後附上Trent Parke幾張以雪梨歌劇院為主體(背景)的照片：LON38328, LON38337, LON38341, LON38350，希望你(妳)也可以感受到！